Novidades da NEMO: Bolland Strips!

Conhecido mundialmente pelos desenhos da HQ Batman: A Piada Mortal, o inglês Brian Bolland consagrou-se como um dos melhores ilustradores de capas de super-heróis, destacando-se também por trabalhos mais autorais e pessoais. É o que encontramos nas páginas de Bolland Strips!, volume que reúne todas as páginas da deliciosa série “A Atriz e o Bispo” e as narrativas completas do surpreendente “Sr. Mamoulian”, além de HQs curtas e ilustrações. Um verdadeiro banquete para os olhos e as mentes daqueles que gostam de HQs inteligentes e belamente ilustradas!

96 páginas, capa dura, formato: 20,5cm x 27,5cm

Chega às livrarias uma ótima biografia em quadrinhos.

Embora predominem as produções mais comerciais, como as revistinhas infantis, as HQs de super-heróis e os mangás japoneses, é nas obras autorais que a arte dos quadrinhos mostra sua maior diversidade e qualidade. Publicadas na forma de álbuns ou livros, nas últimas décadas tiveram destaque obras que inauguraram ou estabeleceram novos gêneros, como no caso dos quadrinhos jornalísticos de Joe Sacco (Palestina, Área de Segurança Gorazde, etc.). Outra vertente ainda mais difundida é a das obras biográficas ou autobiográficas, como o importantíssimo Maus de Art Spiegelman e alguns dos trabalhos de Will Eisner (para ler resenhas sobre vários desses trabalhos, basta clicar no marcador abaixo). Chega agora ao mercado brasileiro, numa competente edição do selo Galera da editora Record, a biografia em quadrinhos de Kiki de Montparnasse, personagem marcante no circuito cultural da Paris dos anos 20 e 30.

Ganhador de importantes prêmios na Europa, Kiki de Montparnasse tem roteiro de José-Louis Bocquet e desenhos de Catel Muller. A edição soma mais de 300 páginas de quadrinhos, acompanhadas de uma cronologia da personagem e de biografias de importantes figuras presentes na história, além de uma bibliografia. Fica logo evidente, pelas seções de texto ao final e especialmente pela extensão da obra, que se trata de um trabalho que requereu dedicação e pesquisa. Ao mesmo tempo, o estilo cartunizado e a narrativa diversificada fazem da HQ uma leitura leve e envolvente. A história começa em 1901, no vilarejo francês de Châtillon-sur-Seine, com o nascimento de Kiki, ou melhor: de Alice Ernestine Prin (seu nome verdadeiro). Filha de uma tipógrafa com um homem casado, a menina cresceu sem a presença do pai. E quando sua mãe se muda para Paris, ela fica aos cuidados da avó e na companhia de vários primos órfãos.

Os autores aproveitam para estabelecer aí uma oposição entre a figura soturna do pai biológico de Alice e a presença carinhosa de seu padrinho, um contrabandista de bebidas apaixonado por sua mãe. Não muito interessada pela escola e preferindo furtar frutas dos quintais vizinhos, desde cedo a menina demonstrou uma inclinação por desafiar as normas e convenções. Assim, aos dez anos ela já tinha experimentado vinho (algo não muito incomum para crianças na época) e realizado sua primeira apresentação musical numa taverna do vilarejo. Contudo, desejando assegurar o futuro da filha, sua mãe lhe faz enviar a Paris, onde aos treze anos ela começa a trabalhar. Alice, porém, não permanece muito tempo nos empregos e, em 1916, um desentendimento com a mãe a leva a uma rotina de pobreza, fome, frio e troca de favores sexuais por dinheiro, cama ou comida. Mas isso é só o começo da história!

Com a chegada da década de 1920, novos ventos sopram na Europa e o clima de liberdade comportamental e experimentação artística terão em Alice, já apelidada como Kiki, uma de suas musas e personalidades femininas mais marcantes. Começam então a aparecer na história personagens como o pintor Amadeo Modigliani, o fotógrafo Man Ray, o dadaísta Tristan Tzara, o surrealista André Breton, o poeta Jean Cocteau e o gênio das artes Pablo Picasso. Modelo para pintores e fotógrafos, cantora e dançarina de cabaré, presença em filmes de arte, inspiração para diversas criações e até pintora, Kiki teve uma vida boêmia, passada em hotéis e pontuada de várias paixões e um grande amor. Contudo, após décadas de excessos, trocando a noite pelo dia, muito afeita ao álcool e viciada em cocaína, sua saúde começou a declinar. Assim, sua história de vida intensa chegou ao fim em 1953, num tom melancólico.

A obra de Bocquet e Catel apresenta a vida de Kiki sem julgamentos nem moralismos, com seus elementos de humor e de drama, seu brilho sedutor e sua dimensão autodestrutiva. Tratando-se de uma HQ para adultos, cenas de sexo e o uso de drogas dividem espaço com discussões estéticas e disputas artísticas. Apesar de dois ou três “pulos”, o roteiro inteligente trabalha bem o diálogo entre texto e imagem. Embora alguns quadros pudessem ser mais bem trabalhados, o desenho é expressivo e compõe um visual agradável. Usando uma narrativa que simula pinturas, fotografias, cartas e cenas de filmes, o álbum traduz um pouco da efervescência artística da época. Propondo-se a contar a história da “Rainha de Montparnasse”, roteirista e ilustradora debruçaram-se numa pesquisa bibliográfica e documental que originou uma ótima obra em quadrinhos, comprovando a adequação dessa linguagem artística ao gênero das biografias.

Num momento em que predominam no mercado as pirotecnias digitais e as tramas megalomaníacas, com inteligência e sensibilidade o premiado álbum de Bocquet e Catel nos mostra um outro caminho para a arte dos quadrinhos. Uma HQ recomendada para leitores e (especialmente) leitoras interessados em obras tematicamente adultas e visualmente poéticas, a edição brasileira de Kiki de Montparnasse tem 416 páginas no formato 17cm x 24cm, sendo vendida pelo preço de R$54,90. Vale muito conferir!

Will Eisner no coração da tempestade.

Will Eisner foi sem dúvida um dos grandes inovadores dos quadrinhos, sendo um dos responsáveis pelo desenvolvimento da narrativa, das possibilidades expressivas e temáticas das HQs norte-americanas. O autor falecido em 2005 levou para as páginas de suas histórias o cotidiano e os conflitos pessoais dos habitantes das grandes cidades, representando-os através de um estilo inconfundível. E é isso que encontramos nas páginas de No Coração da Tempestade, graphic novel lançada no Brasil em 1996, em dois volumes pela editora Abril.

Concluída em 1990, No Coração da Tempestade é, segundo o próprio autor, “uma mal-disfarçada autobiografia”. Nas primeiras páginas encontramos Willie (Eisner), um jovem cartunista norte-americano convocado para servir o exército, em plena Segunda Guerra Mundial. Na viagem em direção a uma base militar, enquanto outros recrutas passam o tempo conversando ou lendo jornais, Willie mergulha em suas lembranças. Utilizando um artifício engenhoso, o autor imprime um caráter de “memória” à sua narrativa: as imagens que Willie vê através da janela do trem remetem a lembranças de seu passado. Assim, uma garota andando de bicicleta faz surgir lembranças de uma antiga namorada, um menino vendendo jornais faz com que ele se lembre de seu primeiro emprego.

Somos, assim, convidados a uma viagem em que as imagens saem da memória de Willie, direto para o papel. Contudo, em momento algum, o personagem assume explicitamente a função de narrador, sendo na verdade a figura central de uma HQ repleta de muitos outros personagens. Boa parte das páginas é dedicada à história de seus pais: ora é sua mãe que conta suas desventuras nos Estados Unidos do início do século 20, ora é seu pai que narra porque foi parar na América, após trabalhar como pintor em Viena. Mas, confusões de infância, interesses eróticos e o início da carreira como cartunista são lembranças que devolvem Willie ao centro da narrativa. Trabalho de um verdadeiro mestre, a história é contada com uma precisa variação de formas e disposições de quadros, aliada a um eficiente emprego das massas de claro e escuro.

O universo descrito em No Coração da Tempestade é o do final do século 19 e da primeira metade do século 20. Relações familiares, crises sociais e o clima de guerra compõem o “pano de fundo” para a trajetória da família de Willie. Os subúrbios nova-iorquinos (com seus imigrantes multinacionais) e os cafés europeus (com seus artistas e vida cultural agitada) fornecem o ambiente para a história contada por Eisner. Os personagens, construídos a partir de experiências pessoais do autor ou relatos de seus pais possuem um incrível realismo. Como se tornou recorrente nos trabalhos do quadrinista, uma questão presente ao longo dessa HQ é o preconceito sofrido pelos judeus. Mas aqui o autor não nos mostra a perseguição aberta e violenta empreendida pelos nazistas nos anos 30 e 40, mas o preconceito das pessoas comuns, presente no dia-a-dia.

No Coração da Tempestade foi o melhor lançamento em quadrinhos a chegar às bancas em 1996. E isso apesar da impressão e acabamentos meramente comuns, empregados pela Abril Jovem. Assim, como a obra está esgotada há algum tempo e a Devir vem lançando outras graphic novels de Will Eisner, seria um bom momento para uma reedição de No Coração da Tempestade, desta vez com o cuidado e a qualidade de impressão que o trabalho merece.

A Força da Vida de Will Eisner.

Dando continuidade à publicação das graphic novels de Will Eisner, a Devir lança agora A Força da Vida. Com impressão especial na capa e 152 páginas impressas em sépia sobre papel chamois, a edição chega às livrarias ao preço de R$ 38,00. Ambientado na década de 1930, durante os anos da Grande Depressão econômica nos Estados Unidos, o livro traz a essência dos melhores trabalhos do mestre da “arte sequencial”.

Em termos estilísticos e temáticos, A Força da Vida enquadra-se na sequência de ótimas obras que Eisner lançou a partir de 1978 (Um contrato com Deus, Nova York: A Grande Cidade, O Edifício) e que deram origem à tradição das graphic novels norte-americanas. Criada há vinte anos, a HQ traz uma narrativa bastante diversa, que mistura páginas de quadrinhos, textos ilustrados, representações de cartas e reportagens ou até mesmo a compilação de dados meteorológicos. Produzida por alguém que viveu no ambiente e época retratados (a nova York dos anos 30), a obra traz uma notável riqueza na representação dos personagens, cenários e contexto. Não é por menos que, no traço característico do mestre, pessoas e acontecimentos vão surgindo e interagindo, ganhando vida e sentido a cada capítulo.

É interessante notar que A Força da Vida não constitui exatamente uma trama linear (sendo mais uma espécie de “novela” do que propriamente um “romance” gráfico). O que o livro nos apresenta são um tema e vários personagens, ao longo de capítulos que vão se entrelaçando. O tema já está presente no título, é a “força da vida” que nos impele adiante mesmo nas situações mais adversas, e ainda que nos questionemos sobre o sentido de nossa existência ou sobre a existência ou não de um Deus. Os personagens (como não poderia ser diferente numa obra de Eisner) são pessoas comuns, capturadas em breves instantâneos ou longas sequências da vida nas grandes cidades. São os injustiçados e os perseguidos das grandes lutas sociais, os heróis e os vilões dos pequenos dramas cotidianos, os apaixonados e os desesperançados, jovens e velhos, pessoas como nós, tratadas com lirismo e respeito.

O título do livro também dá nome ao primeiro capítulo e reaparece na parte em que um dos personagens centrais se põe a questionar o sentido da vida, diante de uma indefesa barata (talvez um eco intertextual de Franz Kafka?). E embora o inseto seja bastante relevante nas primeiras páginas, ele desaparece no decorrer do livro, retornando para um desfecho temático, no capítulo final. O que ganha força à medida que os capítulos se sucedem são os elementos do contexto histórico, que surgem do cotidiano dos personagens ou provocam a interação entre eles. É assim que ficamos sabendo dos conflitos envolvendo o movimento comunista e sindical em Nova York, de como surgiu e se estabeleceu a máfia italiana naquela cidade ou das dificuldades e desafios impostos pela Grande Depressão. E uma vez que Eisner passou a juventude num bairro de forte presença judaica, vários personagens da HQ têm essa origem cultural. Logo, o início da perseguição nazista na Alemanha, que levaria ao Holocausto dos judeus na Segunda Guerra Mundial, tem um papel importante no desenrolar dos fios narrativos da obra.

Seguramente, A Força da Vida não é a obra mais genial de Will Eisner. Ainda assim, é um trabalho que eleva e enriquece a arte dos quadrinhos, sendo também um título que não deve faltar na coleção dos admiradores do grande mestre norte-americano. E para aqueles que quiserem ler uma entrevista exclusiva que fiz com ele ou saberem mais sobre seu trabalho, basta clicar no nome WILL EISNER abaixo.

O Circo metalinguístico de Jozz.

Desde os anos 90, assistimos a um crescente interesse pelo estudo dos quadrinhos, com a produção de vários trabalhos acadêmicos e o lançamento de diversas obras teóricas (eu mesmo dei minha contribuição em livros como Um mundo em quadrinhos). O mais recente produto dessa linhagem é Circo de Lucca, um trabalho de Jorge Otávio Zugliani, quadrinista que atende pelo pseudônimo Jozz. Lançado pela Devir Livraria, o livro traz uma original abordagem conceitual dos quadrinhos, numa mistura de elementos metalinguísticos, autobiográficos e ficcionais.

Resultado de um trabalho de graduação em Design Gráfico, Circo de Lucca abre com um “Prefácio de Luiz Gê”, professor e orientador de Jozz em sua pesquisa (e um dos mais criativos artistas que os quadrinhos brasileiros já viram). Com o objetivo de contextualizar o livro, o prefácio parece também ter uma função de legitimação, mas acaba se revelando dispensável (ou talvez apontando para o fato de que o texto seria melhor localizado num posfácio). O fato é que, apesar dos desenhos um pouco inconstantes, que variam de páginas menos detalhadas a outras bem mais elaboradas, Circo de Lucca se destaca pelo uso criativo da linguagem dos quadrinhos. Em meio a referências a HQs, livros, músicas e filmes, conhecemos um jovem aspirante a quadrinista em busca do tema para uma nova história, e às voltas com um misterioso palhaço imaginário.

Assim como Desvendando os quadrinhos e Reinventando os quadrinhos de Scott McCloud, o livro de Jozz utiliza o recurso de apresentar os elementos da linguagem dos quadrinhos, através da própria narrativa quadrinística. Circo de Lucca, porém, traz um novo componente, ao partir da mistura de elementos autobiográficos, ficcionais e metalinguísticos. Com isso, a história do desenhista Lucca serve de pretexto para a discussão sobre como funciona a linguagem dos quadrinhos (no que encontramos um paralelo com o livro O mundo de Sofia, no qual o escritor Jostein Gaarder emprega uma narrativa ficcional para apresentar a história da Filosofia). Para marcar as variações entre a história narrada e os comentários conceituais, Jozz emprega um amplo repertório de técnicas (lápis, nanquim, pintura, gravura, mimeógrafo), originando páginas ora em P&B, ora em cores, o que convida o leitor a um jogo visual e simbólico.

Na verdade, toda obra traz em si um componente interativo, uma vez que se realiza no encontro da intenção criativa do autor, com a liberdade interpretativa do leitor. Mas podemos dizer que Circo de Lucca surpreende com uma inventiva proposta de interação: num dado momento, o leitor depara com uma sequência de quatro páginas divididas igualmente em três tiras horizontais cada; as duas páginas centrais diferenciam-se por trazerem entre as tiras o desenho da tesourinha com linha pontilhada, indicando que o leitor deve recortá-las ali; depois de as páginas serem devidamente recortadas, o resultado é que o leitor pode passar ora uma, ora outra, ou mais de uma das tiras, produzindo diferentes combinações narrativas, gerando novas continuidades para a história naquele ponto. Simplesmente brilhante!

Nas últimas páginas, a discussão sobre o processo criativo interfere na história do personagem Lucca, ao mesmo tempo em que o componente autobiográfico cede mais espaço a elementos ficcionais. Mas o fim da HQ não traz o final do livro, que ainda inclui uma pertinente discussão sobre a linguagem dos quadrinhos e uma detalhada explicação de como ele foi produzido (numa última volta metalinguística, talvez não exatamente proposital, em que o livro nos diz: veja, eu sou um livro!). A primeira vez que vi o trabalho de Jozz foi na segunda edição de sua mini-revista Zine Royale. Já ali, em poucas páginas, tive a amostra de um quadrinista inteligente e interessado em explorar a narrativa quadrinística e sua interação com outras linguagens. Com Circo de Lucca, Jozz se apresenta como um dos mais promissores quadrinistas brasileiros da nova geração.

Maus, a história de um sobrevivente do Holocausto.

Uma fábula é uma história infantil com uma lição de moral, na qual animais representam comportamentos e características humanas. Em Maus - A história de um sobrevivente, vemos gatos e ratos vivendo como pessoas. Contudo, longe de ser uma história para crianças, na obra escrita e desenhada pelo cartunista Art Spiegelman, os ratos representam os judeus, enquanto os gatos são nazistas. Produzido a partir das gravações de conversas que o autor teve com seu pai, Maus levou treze anos para ser concluído e narra as atrocidades do Holocausto. Lançada originalmente em capítulos na revista Raw e depois em dois volumes, a obra causou enorme impacto quando lançada, ganhando vários prêmios internacionais e contribuindo para mostrar que os quadrinhos são uma arte madura, capaz de abordar temas sérios.

Um relato detalhado e impressionante da violência e crueldade sofrida pelos judeus durante a Segunda Guerra Mundial, Maus conta a história de Vladek Spiegelman, um polonês que sobreviveu ao campo de extermínio de Auschwitz, e de sua mulher Anja. Com quase trezentas páginas, a obra se divide em duas linhas narrativas principais. A primeira se passa no momento em que o autor começa a trabalhar no projeto da HQ, e mostra as visitas que ele fez a seu pai, numa sempre difícil convivência. A segunda linha é a narrativa histórica em si, que vai de 1935, quando Vladek conhece sua futura esposa Anja, até 1945, quando ambos saem de Auschwitz e se reencontram na cidade em que viviam antes da guerra.

Nascido em Estocolmo em 1948 e professor de artes visuais em Nova York, Art Spiegelman participou de revistas alternativas no início da carreira e, por isso mesmo, prefere que sua obra não seja chamada de graphic novel. Para ele, Maus é um genuíno exemplo de “comix”, ou seja, uma mistura de textos e desenhos que privilegia a narrativa. E, de fato, ao contrário dos quadrinhos norte-americanos em geral, nos quais o visual é a grande atração, em Maus o roteiro e a narrativa são os pontos altos. Desde a primeira página, a luta pela sobrevivência, no contexto da perseguição nazista aos judeus e outras minorias étnicas, impõe-se à amizade e às relações pessoais. Nem o protagonista Vladek, e em especial ele, escapa à visão crítica e à narrativa realista de seu filho. Além disso, em momento algum há uma visão condescendente dos judeus, tampouco heróis nessa HQ, exceto talvez por uma mulher que se arrisca para ajudar os prisioneiros sem pedir nada em troca.

Conciliando um estilo cartunístico a uma reconstituição histórica detalhada, Maus apenas aparenta simplicidade em seus desenhos. É óbvia a influência das criações de Walt Disney na concepção de um mundo povoado por animais humanizados, e o próprio autor chega a sugerir o motivo para ter utilizado esse recurso. Entretanto, no caso da obra de Spiegelman, há um lirismo visual e uma força de expressão que faltam aos desenhos mais padronizados dos Estúdios Disney. Sem heróis e muito menos super-homens, a obra segue a linha mais autoral de artistas como Will Eisner e Robert Crumb. Relato direto das atrocidades do Holocausto, Maus contribuiu para expandir os limites da arte dos quadrinhos. Atualmente disponível no Brasil em volume único, se fosse uma fábula, provavelmente sua moral seria: prudente é aquele que se lembra dos erros do passado, para não cometê-los novamente.

Fun Home, um retrato de família nada comum.

Dando continuidade à proposta de publicar quadrinhos autorais numa linha mais alternativa, a Conrad está lançando Fun Home - Uma Tragicomédia em Família. Escrito e desenhado por Alison Bechdel, o livro é um relato autobiográfico sem muitos pudores ou meias-palavras. Ganhador do Eisner Award de Melhor Não-Ficção, com 240 páginas, formato 16cm x 23cm, o livro tem o preço de R$ 42,90 e pode ser comprado com desconto na loja da editora.

Filha de professores de literatura, Alison e seus dois irmãos passaram os primeiros anos de vida numa casa do século 19, que seu pai compulsivamente reformava e decorava. Havia também a residência dos avós paternos, a Casa Funerária que dá título ao livro, na qual as crianças tinham contato direto com cadáveres e apetrechos de embalsamamento. Crescendo num ambiente familiar sem muito carinho ou atenção, a autora identificava-se com a Vandinha da Família Addams e, desde cedo, começou a notar que seus gostos e comportamento não correspondiam aos padrões esperados de uma menina. Já na juventude, quando finalmente escapou do ambiente sufocante de seu lar, Alison descobriu sua homossexualidade, mas acabou arrastada de volta à sombra de seu pai. Morto em circunstâncias não completamente explicadas, Bruce Bechdel deixa para trás uma velha casa em estilo neogótico e muitos segredos envolvendo sua própria homossexualidade.

Com um texto elaborado e repleto de referências literárias, detalhados desenhos em um estilo próximo ao cartum e aquarelados em tom verde, Fun Home revela-se um trabalho de fôlego e coragem. Em alguns pontos, a identificação visual dos personagens poderia ser mais marcada e no geral a obra segue divisões de página muito regulares, o que às vezes dá a impressão de se tratar mais de uma “história ilustrada” do que propriamente uma história em quadrinhos. Apesar disso, a reconstituição de diferentes décadas e ambientes, a representação de fotografias, mapas, diários e páginas de livros dão à HQ o caráter de autêntico retrato de uma família e sociedade. Partindo de referências à mitologia grega, passando Albert Camus, Oscar Wilde, Marcel Proust e James Joyce, o relato autobiográfico de Alison Bechdel é uma vida que se conta através de personagens e citações literárias. Esta característica, aliás, só reforça a autenticidade do livro, uma vez que a autora se refere à sua vida na antiga casa como: “uma natureza morta com crianças”.

O subtítulo Uma Tragicomédia em Família, parece mais uma opção editorial que realmente uma escolha autoral. Quadrinho escrito para um público adulto, com uma abordagem direta de temas considerados tabus, Fun Home não tem muito de “tragédia” e certamente quase nada de “comédia”. Definível como um “drama” sem sentimentalismos, o livro nos lembra que as aparências enganam e que amor e dedicação não são complementos inseparáveis dos termos “família” e “pai”. Seguindo a linha dos quadrinhos autobiográficos, gênero que tem Robert Crumb como um de seus expoentes e Maus de Art Spiegelman como obra-prima, Fun Home é uma história para gente grande, que fala de temas sérios sem rodeios. O trabalho de uma autora corajosa, feito com amor e dedicação.

Meu encontro com Will Eisner.

Em outubro de 1997, Will Eisner visitou Belo Horizonte (MG) como convidado do projeto Conferências do Centenário e da 3ª Bienal Internacional de Quadrinhos. Para minha felicidade, eu estava “no lugar certo, na hora certa”! Na primeira manhã da visita de Eisner à cidade, fui interprete em sua coletiva para imprensa e tive o prazer de acompanhá-lo numa visita às exposições da Bienal. No dia seguinte, nós nos reencontramos rapidamente, quando pude presenteá-lo com um exemplar da revista SOLAR, em que faço uma pequena homenagem a The Spirit (a foto ao lado registra este momento e foi publicada numa revista da época). O texto a seguir saiu como uma matéria especial para um jornal de BH e foi atualizado para sua veiculação aqui. Ele relata como foi meu encontro com este mestre da "arte sequencial", falecido em janeiro de 2005.

É comum se dizer que as obras de um grande artista refletem sua alma. Essa frase pode não ser uma verdade absoluta, mas ela certamente se aplica a Will Eisner, o criador da série The Spirit e um dos mais importantes autores da história dos quadrinhos. Dedicando-se à criação e estudo das HQs por mais de sete décadas, ele foi um dos responsáveis pelo desenvolvimento da narrativa, estética e temática desta arte. Isso lhe garantiu reconhecimento e deferência não apenas por parte dos amantes dos quadrinhos, mas também daqueles que vêem as artes em geral como formas de expressão pessoal e interação entre as pessoas. Tendo sido um dos grandes artistas do século 20, em sua visita a Belo Horizonte Will Eisner mostrou-se sempre amável e acessível àqueles que se aproximavam para entrevistá-lo, pedir um autógrafo ou simplesmente trocar algumas palavras.

Se The Spirit foi fruto de um processo de desenvolvimento que, segundo seu criador, corresponderia à sua própria evolução enquanto artista, desde que surgiu em 1940 o personagem tornou-se um caso muito especial na galeria de heróis dos quadrinhos norte-americanos. Como o próprio Will Eisner o definia, Spirit é um herói com as fraquezas e limitações, medos e paixões dos seres humanos comuns. E ao introduzir em suas histórias questões da existência humana, Eisner mostrou que os heróis dos quadrinhos podiam ser mais que figuras unidimensionais que se espancam enquanto bradam falas cheias de clichês. Com The Spirit, os comics tornaram-se mais humanos.

De fato, algo inegável nos trabalhos deste grande mestre é a empatia. Da mesma forma que seu autor se mostrou amável e atencioso, suas histórias e desenhos são capazes de cativar a atenção valendo-se de uma simplicidade poética. Partindo de questões concretas do mundo real, seus roteiros criam situações que envolvem o leitor, tornando-o um cúmplice no desenrolar da trama. Afinal, como disse Eisner, “o leitor de quadrinhos jamais é um espectador passivo”.

Em obras-primas como Nova York - A Grande Cidade, o desenhista mostra-nos seu universo pessoal, através de impressões e opiniões sobre o mundo contemporâneo. Com um traço que se vale da precisão e da expressividade para dar vida a personagens e situações únicos, esse verdadeiro cronista da vida nas grandes cidades fazia poesia através de imagens. A “belíssima Belo Horizonte” que ele encontrou em 1997 não tem nada da “pequena cidade provinciana” sobre a qual ouvira falar, aproximando-se mais da clássica Nova York de seus livros, onde as contradições e conflitos da sociedade moderna tornam-se visíveis e o ritmo da vida ainda permite-nos vislumbrar personagens especiais perdidos na multidão.

Para um artista com décadas de atuação, o segredo da permanência de seus personagens e histórias é a simplicidade dos mesmos; é o fato de lidarem com questões básicas da existência que se mantêm ao longo do tempo. Mas, se a vitalidade do artista se refletia na permanência de sua obra, a paixão com que Eisner se referia aos quadrinhos era resultado da contínua renovação desta forma de arte, que a cada convenção ou bienal lhe presenteava com novidades como o “expressivo traço” de Henfil ou as “fortes imagens” dos desenhos de Marcelo Lelis.

Talvez a rápida transformação e superação do mundo que ele interpretava com tanto lirismo tenha sido o fato que levou Eisner a interromper as aventuras de Spirit, nos anos 50. O que ele não poderia prever é que seu personagem continuaria vivo, através de reedições e de uma fiel legião de fãs, ou que quando retornasse aos quadrinhos, na década de 1970, ele fosse o principal responsável pela formação de um novo gênero, as graphic novels. Como era de se esperar, alguém que iniciou duas grandes revoluções qualitativas sabia como poucos identificar os mecanismos de funcionamento e as especificidades dessa linguagem artística, como ele fez nos livros teóricos Quadrinhos e Arte Seqüencial e Narrativas Gráficas.

Se fôssemos comparar os quadrinhos a outras artes, teríamos que comparar Will Eisner a artistas como Picasso ou Fellini. Compreendendo e revolucionando as linguagens que escolheram, cada qual interpretou o mundo a partir de um ponto de vista particular, conciliando personalidade e universalidade. Transformando a estética, reinventando a linguagem, apropriando-se do clássico para popularizar a arte, eles deixaram suas impressões sobre o século 20. Mas é claro que dentre esses artistas, Will Eisner é o que tem menor reconhecimento. A desprestigiada arte por ele escolhida para se expressar continua não sendo tratada com a devida atenção e seriedade.

Se o leitor que percorreu estas linhas ainda não conhece a genialidade de Will Eisner, espero que minhas palavras tenham contribuído para despertar seu interesse. Tendo conhecido pessoalmente o criador, pude perceber que a paixão, vitalidade e grandiosidade de sua obra eram reflexos dele mesmo. Meu encontro com Will Eisner foi um daqueles momentos incomparáveis em que se recupera uma profunda paixão pelo que se faz. Enfim, não é todo dia que se conhece um grande gênio!