The art of coherence: an interview with Dave Gibbons, part1.

Dave Gibbons is one of the most important British comic book authors of all time. Among various works, he was the artist of Watchmen, the 12-part series written by Alan Moore, which many readers consider the best graphic novel ever created. In this 3-part exclusive interview done by e-mail and MP3, Mr. Gibbons talks about some of his early works, the creation of the masterpiece Watchmen, what he thinks of the movie adaptation, his new book, future projects and more.

Wellington Srbek: It is an honor to be talking to you, Mr. Gibbons.

Dave Gibbons: Thank you! Honor to be talking to you.

WS: Please tell your fans when and where you were born, and how comics entered your life?

DG: Ahn… I was born in London. I was born in 1949, long, long time ago now -- longer than I really like to think about. And how comics entered my life? Well, I guess as a little kid I used to get kind of nursery comics, you know, familiar animals, and rabbits, and bears, and all that kind of stuff. And I also got a British comic called The Beano which is still go in need today, it’s been on since the 1930s -- is the one comic that all British people think about if you say the word “comics”. Ahn… I also got a very clear memory been about seven years old and been bought my first Superman comics by my granddad… ahn… and I think from the minute I saw that I was lost to comics.

WS: You began your carrier working on horror and action strips, but it was on the science-fiction magazines 2000 AD and Doctor Who that you could develop your artwork. The first American comics you drew -- the Green Lantern Corps stories -- also had something to do with SF. So, do you have a special fondness for that specific genre?

DG: Well, I do. I’ve always been the science-fiction reader most of my life. I’ve not read lots of science-fiction lately -- I think you can only read the words hyperdrive or teleportation so many times. I moved on to crime and non-fiction, and everything. I still have got love for science-fiction, and I think with comics it works particularly well. You can do anything in the comics, so why do something that is complete everyday? It’s important to be able to draw things so they look believable. So to be browned in during the everyday actually is a really good thing. Ah… But I think when you wanna to explore the possibilities of the medium a bit more, you almost inevitably journey towards things which are larger than life. And science-fiction, you know, is certainly that.

WS: You’ve become internationally famous working on American superhero comics, but you had previously worked on an African superhero strip: Powerman. It was kind of a black Superman, published in Nigeria, right? Give us an idea of what that strip was.

DG: I used to work through an art agent in London. He was approached by a Nigerian advertising agency, with the idea of producing some comics for the Nigerian market. Up to then, Nigeria tads of British and American comics most of which featured, you know, blonde white people, and they just thought it was a good idea -- I imagine from the merchandising and advertising point of view it was really a good idea -- to give black people their own heroes. We were amazed that they didn’t have people in Nigeria who could draw and write comics, but they said, you know, possibly for we took the lead and eventually, you know, indigenous creators would take over. Ahn… So, there were a couple of comics: one called Powerman, one called Pop. Powerman featured Powerman, and also a sheriff, a black sheriff, a fried slave in the Wild West, and an alien invasion story where the aliens invaded Africa, rather than North-America. There was another one called Pop, which was featured a black nurse, and a couple of other ideas which a really can’t remember that. They were written by standard British comic writers and drawn by myself, Brian Bolland, Carlos Ezquerra -- who went on to draw Judge Dredd -- and it was a biweekly comic, black and white with one color added -- red. Brian Bolland and I did alternate issues with I once in a while had to help Brian out when he fell behind deadline. They were latterly printed in South-Africa with the rather unfortunate fact that there appear to be “Apartheid comics", you know, white people had their comics, and black people had their comics. But that was never the idea with the originals, and it felt that any white person that we ever featured was an awful Arian blonde property developed crew post-Blitzer who Powerman dispatched in short order.

WS: You were part of the “British invasion” that changed American comics in the 80s, following Alan Moore’s work on Swamp Thing. At that moment, did you feel that you were bringing a revolution to American comics, and producing works that would become classics?

DG: I suppose there was a kind of British invasion, it really started with Barry Smith back in the early 70s. He was the first British guy that I’m aware of to have worked for American comics. From Barry Smith I think Brian Bolland was the next Briti to be published, he did some Green Lantern covers back in the late 70s. Ahn… I actually started to work with DC before Alan, and we were trying to get things going for DC when I was phoned up one night… ahn… by Len Wein, he asked me if I had Alan Moore’s phone number, because he thought he could, you know, make a good attempt writing Swamp Thing, and as we all know Alan made not a “good attempt”, he completely revolutionize it until indeed come up with a classic. Ahn… I suppose, you know, it was an ambition of us Britis who have grown up reading American comics to one day work in American comics, and giving that that business were much better -- they paid more, they gave all the work back, they even gave the board to draw on -- it wasn’t surprising that we were very happy to be working for them. And I think, you know, we understood their characters well enough that we could draw in a similar style, but we have a slightly detached… ah… British view of them. And British kind of attitude is always to be slightly doubtful of people who are superior, maybe we brought a little bit of that to the superheroes. Although, it must be said unless we really loved the characters I don’t think we could have done what we did with them.

Next: Watchmen!

Garth Ennis em coletânea e encadernado da Pixel.

O irlandês Garth Ennis beneficiou-se da chamada “invasão britânica” que tomou conta dos quadrinhos da DC Comics nos anos 80. Afinal, foi o trabalho de outros autores britânicos (como Alan Moore, Jamie Delano, Neil Gaiman e Grant Morrison) que estabeleceu o terreno onde Ennis pôde desenvolver seus peculiares roteiros. Estreando na revista Hellblazer, ele se consagraria com Preacher, série que traz uma trama conspiratória, em meio a um pouco de sexo, muitas blasfêmias e bastante violência. Para os fãs do controvertido roteirista, a Pixel lançou recentemente a coletânea Hellblazer: Hábitos Perigosos e o encadernado Preacher: Memórias, que estabelecem várias pontes entre quadrinhos e cinema.

Publicada em 1991, Hábitos Perigosos marcou a estréia de Garth Ennis no mercado norte-americano, sendo uma das histórias mais festejadas pelos fãs de John Constantine. Dividido em seis partes, esse arco começa com a notícia de que o personagem está à beira da morte. Fumante compulsivo, o mago inglês acorda um dia tossindo sangue e acaba descobrindo que está com um câncer em fase terminal. Encarando a própria morte, Constantine tem um assunto ainda mais preocupante para tratar, pois (após anos envolvendo-se em exorcismos e invocações) sua alma é um prêmio cobiçado por forças infernais. Revendo amigos, despedindo-se de familiares, conferenciando com forças celestiais ou abissais, enchendo a cara e fumando muito, aos trancos e barrancos ele chega ao limiar de sua vida. No último instante, porém, o mago reverte a situação, mudando seu destino e enganando o próprio Diabo.

Criado por Alan Moore, Steve Bissette e John Totleben para a revista do Monstro do Pântano, Constantine foi desenvolvido por Jamie Delano na revista Hellblazer. Mas muitos consideram que a melhor fase do personagem foi a das edições escritas por Ennis, iniciada com Hábitos Perigosos. O fato é que, embora os desenhos de seus colaboradores sejam péssimos, o texto do roteirista irlandês vale a edição. Fora uma ou outra inconsistência, a intensa trama prende e envolve o leitor com um terror cru que não recorre a teorias conspiratórias e outros subterfúgios que se tornaram tão comuns ultimamente. Preferida por muitos leitores, não é por menos que Hábitos Perigosos forneceu vários elementos para o roteiro do filme Constantine. Contudo, além das diversas interferências hollywoodianas (como trazer o personagem com cabelos negros e usando uma arma), o filme não tem a força da HQ.

Já Preacher: Memórias reúne três edições lançadas pela Pixel, num total de quatro HQs especiais: “O cavaleiro altivo”, “A história de você-sabe-quem”, “Guerra de um homem só” e “Cassidy: Sangue & Uísque”. A primeira delas mostra Jesse Custer e Tulipa no tempo em que eram namorados e assaltantes de carro. A aventura passada no Texas tem muito dos chamados road movies, com suas perseguições de carros, paisagens ermas, crimes e violência (ou seja, um quadrinho que poderia ter sido feito por Quentin Tarantino). A segunda história abre com uma sátira ao filme Forrest Gump: O Contador de Histórias, na qual o personagem interpretado no cinema por Tom Hanks é substituído pelo desfigurado Cara-de-Cu. A história desse adolescente incomum (repleta de violência familiar, delinquência juvenil, niilismo e várias referências à cultura grunge) fez a cabeça de muitos leitores, mas é a menos interessante desse encadernado.

Mais interessante é a terceira HQ da edição, que conta a história de Herr Star, um assassino frio que trabalha para a organização Graal. Com muitas situações escatológicas (tanto no sentido relativo ao fim-do-mundo, quanto no relativo aos excrementos), a história lançada em 1998 aborda temas que se tornaram populares nos últimos anos, com o livro (e o filme) O Código Da Vinci de Dan Brown. Mas a melhor (e menos pervertida) das quatro histórias é a última, que enfoca Cassidy, o vampiro mulherengo e beberrão da série Preacher. Fugindo da polícia, o morto-vivo gente-boa acaba chegando a Nova Orleans, onde encontra um pedante e egocêntrico sugador de sangue, que parece saído dos livros de Anne Rice (e lembra o personagem interpretado por Tom Cruise em Entrevista com o vampiro). No geral, os desenhos servem bem às quatro histórias, com destaque para a terceira, desenhada por Peter Snejbjerg.

Com direito a palavrões, tramas envolvendo demônios e religião, dejetos humanos e uísque, as duas edições devem agradar aos fãs de Garth Ennis. A história dessa coletânea com John Constantine é um marco dos quadrinhos com temática adulta da DC Comics, sendo uma precursora do selo Vertigo. O encadernado com as histórias de Jesse Custer & Cia. é um tanto irregular e vale mesmo pela última HQ, que ironiza o universo gótico de Anne Rice e seu Entrevista com o vampiro. Para quem ficou interessado, Hellblazer: Hábitos Perigosos tem 160 páginas, custando R$37,90; Preacher: Memórias tem 244 páginas, ao preço de R$22,90.

Alan Moore premonitório: exclamação ou interrogação?

Antes de mais nada, devo dizer que não sou daqueles que acreditam em qualquer coisa. Mas também não sou daqueles que só aceitam o que é “comprovado pela ciência”. Afinal, há ainda muitos mistérios incompreendidos pela racionalidade humana. Dito isto, gostaria de compartilhar uma intrigante questão sobre uma possível “premonição” contida numa HQ de Alan Moore. A história em questão é “Revelations”, publicada na revista Swamp Thing n°46, de março de 1986 (e que, pelos padrões editoriais norte-americanos da época, deve ter sido produzida com cerca de seis meses de antecedência, ainda em 1985).

Nessa história, encontramos os personagens Monstro do Pântano e John Constantine às voltas com o iminente fim-do-mundo (e outros eventos ligados a Crise nas Infinitas Terras). Embora o mago de sobretudo tenha prometido “revelar” ao elemental da Terra informações sobre sua origem, o que de fato justifica o título da HQ é seu clima “apocalíptico”, uma vez que o último livro da bíblia é conhecido, em inglês, como Revelation. A referência bíblica é evidenciada logo no topo da primeira página, onde Moore reproduz o trecho do Apocalipse que diz: “O terceiro anjo soprou sua corneta e uma grande estrela caiu do céu, queimando como uma tocha... O nome da estrela era Absinto” (8:10). Bom, até aqui, nada mais que um caso de engenho narrativo envolvendo uma intertextualidade com a Bíblia.

Porém, este caso ganhou uma nova perspectiva há alguns anos. Na época eu trabalhava na pesquisa para o roteiro de um novo álbum. Uma vez que o personagem principal da história teria nascido em 1986, este contexto em específico seria bastante relevante para mim. Como a história envolvia questões míticas e místicas, um trecho do Apocalipse também fazia parte de meus planos (como já havia acontecido nas revistas Mystérion e Apócripha). Foi aí que me lembrei da história do Monstro do Pântano que eu lera, em sua edição brasileira, uns dez anos antes. Pesquisei então a data de lançamento na edição original, e lá estava a reveladora citação, que concluía com a palavra “Wormwood”: Absinto. Uma mistura de arrepio e euforia me atingiu como um raio!

Eu explico. O fato é que o nome Absinto é traduzido para diversas línguas, dando origem ao referido “Wormwood” do inglês, bem como a outras versões como o nome russo “Чернобыль”, que escrevemos: Chernobyl (devo acrescentar, porém, que algumas fontes divergem quanto à tradução mais correta do nome Chernobyl, do russo e do ucraniano, como sendo “Absinto”). A preocupação com os possíveis danos causados pelo mal-uso da energia nuclear já estava presente nos roteiros de Alan Moore (como em “Nukeface Papers”). Mas, uma vez que traz ©1985 e é datada de março de 1986, a revista Swamp Thing n°46 poderia ser lida como uma espécie de premonição para o acidente nuclear ocorrido na cidade de Chernobyl, em 26 de abril de 1986.

É no mínimo intrigante a citação da palavra “Wormwood”, numa revista lançada no mês que antecedeu o acidente radioativo na cidade de Chernobyl. O que me leva à questão: seria isso uma enorme coincidência, uma incrível sincronicidade ou mais uma “premonição” do roteirista e mago inglês? Bom, os dados foram lançados, cada um agora que tire suas conclusões. No mais, quero encerrar esta postagem desejando parabéns ao genial Alan Moore, no dia de seu aniversário de 55 anos!

(Para saber mais sobre Alan Moore e seus quadrinhos, clique no nome em destaque abaixo.)

Premonitory Moore: exclamation or interrogation?

First of all, I must say that I’m not one of those guys who believe in everything; but I’m neither one of those who only accept what is “proved by science”. Said so, I want to share with you an intriguing question concerning a possible “premonition” in one of Alan Moore’s comics. I’m talking about Swamp Thing # 46, with art by Steve Bissette and John Totleben, published by DC Comics on March 1986 (so, its story probably was written 4 to 6 months before that, in 1985).

In the book we find Swamp Thing and John Constantine dealing with the imminent Doomsday (and other facts related to the Crisis on Infinite Earths crossover). Although the British magician had promised to “reveal” important information about the Earth elemental, what really justifies the story title -- “Revelations” -- is its apocalyptic scenario. This reference to the last book of the Bible is made obvious at the top of the first page, where we read the quotation: “The third Angel blew his trumpet; and a great star shot from the sky, flaming like a torch... the name of the star was Wormwood -- Revelations, 8:10.”

Well, at that point nothing more than another case of Mr. Moore’s intelligent storytelling. But the case earned a different perspective a couple of years ago. I myself am a comic book writer, and by then I was researching for the plot of a new graphic novel. Once that my story also quotes the Book of Revelations it reminded me of that old Swamp Thing book. So, when I took the comic again, it was like being hit by a lightening! There was, of course, the quotation that ended with the name “Wormwood”.

Let me explain! When I was researching for my own story, I learned that the original biblical name “Wormwood” is in fact translated to many languages, originating the English word, and also other versions like the Russian word which we spell “Chernobyl”. So, bearing ©1985 and published on March 1986, Swamp Thing #46 could be read as a premonition for the nuclear accident in the city of Chernobyl on April 26th 1986.

A concerning about the possible damages caused by the misuse of nuclear energy had played already an important role in Mr. Moore’s stories (see “The Nukeface Papers”). However, a quotation with the word “Wormwood” printed in a comic book published a month before the radioactive accident in Chernobyl is, at least, intriguing. This brings us to the question: would it all be just an amazing coincidence, an incredible synchronicity or, in fact, one (more) premonition of Mr. Moore? Well, here are the facts; now you can take your own conclusions!

(You can read my exclusive interview with Swamp Thing artist Steve Bissette here.)

Os 20 anos de Sandman!

Em meados dos anos 80, com o sucesso do roteirista inglês Alan Moore à frente da revista Swamp Thing (Monstro do Pântano), a DC Comics decidiu “sair à caça” de outros roteiristas da Grã-Bretanha. Mais cultos e não tendo os vícios de seus colegas norte-americanos, os autores britânicos iniciaram então uma revolução qualitativa no mercado de quadrinhos. Um dos primeiros frutos da chamada “invasão britânica” foi a minissérie Orquídea Negra, lançada em 1988, com roteiro de Neil Gaiman e páginas pintadas por Dave McKean. O competente trabalho da dupla abriu as portas para um novo projeto: The Sandman. Uma mistura de realidade e ficção, terror e fantasia, a revista surgida há vinte anos é centrada na figura de Morpheus, o Mestre dos Sonhos, uma entidade que personifica os sonhos e o ato de sonhar.

Lançada em fins de 1988 e concluída no início de 1996, The Sandman foi uma das melhores séries de quadrinhos já produzidas. O nome de seu protagonista já havia sido utilizado em dois outros heróis da DC Comics nos anos 40 e 70, mas a versão de Neil Gaiman para os anos 80 e 90 partia de uma concepção completamente nova. Reunindo referências à literatura, filosofia, história, mitologia e aos quadrinhos, o roteirista construiu todo um universo ficcional, do qual fazem parte também personagens históricos (como William Shakespeare, Robespierre, Harun Al Rashid e Marco Polo). Muito premiada durante sua publicação, o prestígio da obra só fez aumentar após seu encerramento, projetando internacionalmente o nome de seu criador. Merecem também destaque especial as belas e às vezes estranhas capas criadas por Dave McKean (geralmente pinturas, colagens ou fotomontagens).

Um fator marcante nas primeiras edições da série é a influência dos roteiros de Alan Moore para o Monstro do Pântano. Aliás, Gaiman cita o nome de seu precursor logo nos primeiros parágrafos da “Proposta para [a publicação de] Sandman”, um extenso texto acompanhado de estudos para o visual do Mestre dos Sonhos (publicado pela primeira vez em The Absolute Sandman Volume1). Nele, Gaiman apresenta detalhadamente os fundamentos de sua concepção para o personagem e os principais coadjuvantes e ambientes da série, bem como a correlação com versões anteriores de Sandman e as sinopses de nove capítulos. Chama atenção não só o quanto da série já estava esboçado em seu nascimento, mas também alguns elementos que foram alterados ao longo do caminho (por exemplo, parece que inicialmente Gaiman havia imaginado os Perpétuos não como sete irmãos, e sim como uma tríade formada por Sonho, Morte e Destino).

Sucesso de público e de crítica, The Sandman foi a primeira série da DC Comics a ser inteiramente reeditada em forma de livro. Além disso, sua popularidade motivou a editora a investir em uma nova linha de “quadrinhos com temática adulta”: o selo Vertigo, lançado em 1993. E pode-se dizer que tudo isso se deveu quase exclusivamente aos roteiros de Gaiman. Afinal, até mesmo os fãs mais ardorosos do Mestre dos Sonhos têm de reconhecer que algumas edições da revista trouxeram desenhos de baixíssima qualidade (que chegam a prejudicá-la, quando consideramos a obra como um todo). É importante lembrarmos que o que define uma HQ de qualidade é o conjunto formado por uma boa história, contada com um ritmo narrativo e um visual adequados. E a verdade é que esse conjunto qualitativo, em vários momentos, não esteve presente nas páginas de The Sandman (particularmente nos arcos "Casa de Bonecas” e “Um jogo de você”).

As deficiências nos desenhos não impediram, contudo, que a revista alcançasse um prestígio nunca antes visto nos quadrinhos norte-americanos (o qual por vezes chega a ser um tanto exagerado). Somando setenta e cinco números, um especial (Sandman: Orpheus), HQs curtas e galerias de ilustrações, a série também deu origem a um livro ilustrado (Sandman: Dream Hunters), uma graphic novel campeã de vendas (Sandman: Endless Nights) e duas minisséries (com a Morte), além de novas revistas periódicas, escritas por outros roteiristas, mas inspiradas nos conceitos e personagens de Gaiman (como The Dreaming e Sandman Presents). Em 2007, a DC Comics deu início à belíssima coleção The Absolute Sandman, em quatro volumes com estojo, formato estendido, capa-dura em imitação de couro, papel de alta qualidade, vários extras com ilustrações e textos especiais, além da recolorização dos primeiros trinta e oito capítulos (do capítulo 39 em diante a colorização não precisou ser refeita).

No Brasil, Sandman já passou por duas coleções completas: a primeira e mais fiel à revista original lançada pela Globo em 1989, e a luxuosa reedição estendida, com capa-dura e em dez volumes, lançada nos últimos anos pela Conrad (sem contar aqui a inacabada e péssima reimpressão pela Brainstore). Para aqueles que não puderam acompanhar as edições anteriores, inicia-se agora uma nova coleção de Sandman, desta vez pela Pixel, que optou por um formato e uma organização inéditos. Serão ao todo dezessete volumes (reunindo os setenta e cinco números da revista e incluindo Sandman: Orpheus), seguidos de três especiais (O Mundo de Sandman, Noites Sem-Fim e Caçadores de Sonhos). A Pixel utilizará as versões recolorizadas e também os principais conteúdos extras de The Absolute Sandman. Além disso, inteligentemente, os editores brasileiros decidiram incorporar à sua coleção os conteúdos do livro Capas na Areia, com as ilustrações das capas e os comentários de Gaiman e McKean.

Em meio a todo o sucesso e prestígio, The Sandman chegou ao fim, a pedido do próprio Gaiman (que declarou ter concluído a história que gostaria de contar). O roteirista então passou a se dedicar a edições especiais e, particularmente, a projetos em outras mídias, como cinema, tevê e literatura. Nos últimos anos, ele retornou aos quadrinhos em duas minisséries para a Marvel: 1602 e Eternals. Mas o fato é que nenhuma de suas obras mais recentes chegou aos pés da importância e repercussão de The Sandman, um marco nos quadrinhos norte-americanos, que assumiu a condição de clássico e continuará a habitar a imaginação de leitores por muitos e muitos anos. Enfim, só me resta desejar a Neil Gaiman, neste 10 de novembro, meus parabéns por sua obra-prima e um feliz aniversário!

Alienígenas: monstros invasores ou fiéis amigos?

Há muito tempo atrás, os alienígenas eram monstrinhos maus que queriam dominar a Terra, roubar nossos recursos naturais e transformar a raça humana em zumbis submissos. Em seus arredondados discos voadores, os homenzinhos vinham de Marte para colocar em risco a paz e a harmonia da sociedade norte-americana. Mas isso foi há muito tempo atrás.

Nos anos 60, em jornadas televisivas, descobrimos que os seres das estrelas poderiam ser uma raça evoluída, de orelhas pontudas, vinda do planeta Vulcano. E qual não foi nossa surpresa diante da especulação de que lá pelo ano 2001 descobriríamos que a evolução da espécie humana foi uma dádiva dos homens do espaço; ou que muito antes do primeiro homem travar sua primeira batalha, uma guerra entre as forças do bem e do mal foi travada em uma galáxia distante, muito distante...

Mas quando pensávamos que poderíamos nos tornar amigos dos aliens, que fariam contatos imediatos através da música, fomos apresentados a um dos mais temíveis monstros já imaginados. Um monstro que, como uma terrível doença, pode nos consumir por dentro ou, da mesma forma que um implacável tubarão, ataca-nos sem aviso. A verdade é que, depois daquele oitavo passageiro, pensávamos que não haveria esperança de paz entre homens e extraterrestres.

No entanto, uma nova aliança com os ETs foi estabelecida. Quer seja na forma de pequenos homens com grandes olhos que se escondem num armário de brinquedos, quer seja na forma de arraias cintilantes que secretamente habitam os abismos oceânicos, sua mensagem seria de paz e amizade. Em um novo mundo que buscava quebrar as barreiras e eliminar os obstáculos que impediam a paz, os seres de outros mundos não representariam perigo.

E quando o muro de Berlim caiu e os impérios russo e chinês converteram-se ao capitalismo, os alienígenas de Hollywood perderam seu emprego de metáforas do inimigo exterior. Mas mesmo assim, o ufanismo norte-americano resolveu provar que continuava em plena forma. A novidade da época foi que os malvados alienígenas representavam então nada mais que os próprios alienígenas.

Numa época em que os filmes independentes ganhavam espaço entre as grandes produções, Independence Day (que além de copiar filmes anteriores, só serviu para cultivar a megalomania e satisfazer os delírios de superioridade norte-americanos) mostrou que Hollywood continuava comprometida com o sistema. Afinal, há cena mais pateticamente “gloriosa” que aquela na qual o presidente dos Estados Unidos (Bill Pullman), fala às tropas antes da batalha final?

Se ainda não foi provado que há vida inteligente em outros planetas, pelo menos em Hollywood podemos encontrar alguns seres criativos. Um desses espécimes raros é Tim Burton. Em Marte Ataca!, Burton brincou com a estética e a temática dos antigos filmes sobre invasões alienígenas: os alienígenas são verdes e cabeçudos, querem dominar a Terra e seus discos voadores têm aquela engraçada forma arredondada; mas o presidente dos EUA (Jack Nicholson) não é o herói que salva o mundo no fim.

Contando com bons efeitos especiais, um elenco estrelar e o inconfundível estilo de Burton, Marte Ataca! foi uma homenagem à cultura pop, que expôs o ridículo de filmes-propaganda como Independence Day. Depois dele, no entanto, veio 11 de setembro de 2001 e as guerras do Afeganistão e do Iraque, que tornaram qualquer Guerra dos Mundos cinematográfica uma nota de entretenimento em meio às manchetes de um mundo mergulhado em ódio e ignorância. Só resta-nos torcer para que os alienígenas possam, uma vez mais, voltar a ser signos de uma amigável e bem-vinda alteridade.

Revista Divino

Produção do roteiro para a publicação infantil “Revista do Divino” n°1 (12 páginas de roteiro, tiragem de 50 mil exemplares, junho de 2006).

Cliente: Big Jack Studios, para a Javí Publicidade e Mídia.

Os 80 anos de Osamu Tezuka, o “deus dos mangás”.

Como acontece com outras linguagens artísticas, a história dos quadrinhos fez-se com a contribuição de centenas de profissionais dedicados e talentosos. Mas entre eles, na certa, têm lugar especial alguns artistas geniais, cujas obras inovadoras transformaram a história dessa arte. Ao lado de nomes como Will Eisner, Jack Kirby e Hugo Pratt, poucos autores foram tão importantes e talvez nenhum tão influente quanto Osamu Tezuka. Criador do estilo japonês de fazer quadrinhos, se estivesse vivo, esse médico que dedicou a vida às HQs e animações completaria hoje oitenta anos de vida.

Nascido na região de Osaka, quando criança Osamu Tezuka era um fã de quadrinhos e desenhos animados, sendo fascinado pelas primeiras produções de Walt Disney. Naquela época, o Japão havia deixado a postura isolacionista dos séculos anteriores, assumindo ao contrário uma agressiva política expansionista. Isto, no entanto, levou o “Império do Sol Nascente” a ser reduzido a cinzas, com o fracasso militar e os bombardeios incendiários durante a Segunda Guerra Mundial. O fato é que a derrota para os Estados Unidos e a explosão das bombas atômicas em Hiroshima e Nagasaki deixaram marcas profundas na sociedade japonesa, que passou por um processo de ampla reconstrução.

No contexto do pós-guerra, os mangás assumiram um papel de válvula de escape para as tensões cotidianas, bem como de veículos para a reafirmação da identidade nipônica. Assim, ao mesmo tempo em que preservavam suas tradições culturais, os japoneses se voltavam para um ideal de futuro, no qual a tecnologia e a paz assegurariam a felicidade pessoal e coletiva. Em 1946, quando ainda cursava a faculdade de Medicina, Tezuka começou a publicar seus primeiros quadrinhos, com personagens em estilo catunizado e grandes olhos inspirados nas figuras de Disney e do teatro japonês. E embora tenha se formado como médico, seu destino estava mesmo nas páginas dos mangás.

Em abril de 1951, Tezuka publicou na revista Shonen uma HQ com um personagem coadjuvante que logo assumiria o lugar de protagonista. Era Tetsuwan Atomu (o “Poderoso Átomo”), um robozinho movido a energia nuclear, que luta pela paz mundial. A história começa no futurístico ano de 2003, quando os humanos habitam cidades tecnológicas repletas de robôs falantes e carros flutuantes. Arrasado com a morte de seu filhinho Tobio, um cientista chamado Dr. Tenma decide construir um substituto robótico, mas se desespera ao ver que a cópia jamais se igualará ao original. O menino-robô acaba então encontrado pelo bondoso Prof. Ochanomizu, que lhe dá um lar e uma família.

Pelo estilo de desenho conciso, narrativa dinâmica e temática atraente para o público infantil, Tetsuwan Atomu tornou-se um fenômeno de popularidade imediato. Em pouco tempo, o estilo cartunizado com personagens de olhos gigantescos, as sequências “cinemáticas” e as histórias de ficção científica com monstros e robôs tornariam-se marcas registradas dos quadrinhos japoneses. E se pode ser considerado o pai dos mangás modernos, Tezuka é também o responsável pelo desenvolvimento dos animes. Afinal, foi o sucesso das HQs de Tetsuwan Atomu que deu origem, em 1963, à primeira série de animação da tevê japonesa, rebatizada no Ocidente com o nome: Astro Boy.

Embora tenha desenhado os quadrinhos de seu Pinóquio futurista ao longo de dezoito anos, Astro Boy foi apenas uma das muitas séries e obras criadas por Tezuka. Seguiram-se sucessos como Kimba, o Leão, A Princesa e o Cavaleiro, Black Jack, entre outros. Algumas dessas séries também deram origem a seriados de animação. Contudo, nas palavras do próprio Tezuka, se os mangás eram sua “esposa”, os animes eram a “amante” que apenas lhe tirava dinheiro, levando até mesmo à falência de seu estúdio nos anos 70. Ainda assim, no início dos anos 80, Tezuka produziu oito episódios do abortado anime Don Dorakyura (o inesquecível Dom Drácula exibido no Brasil pela Rede Manchete).

Consagrado no Japão e reconhecido em outros países, na última década de vida Tezuka pôde se voltar a trabalhos mais adultos e autorais, como a HQ histórica Adolf e a biográfica Buda (ambas lançadas no Brasil pela Conrad). Isso sem falar em Phoenix, uma saga que entrelaça passado, presente e futuro, envolvendo reencarnação e filosofia budista, numa busca pelo sentido da vida. Após criar cerca de 150 mil páginas de quadrinhos e produzir centenas de horas de animação, Osamu Tezuka faleceu aos 60 anos, em 1989, vítima de um câncer. Um dos mais produtivos quadrinistas de todos os tempos, a qualidade e a importância de sua obra fazem-no realmente merecedor do título de "deus dos mangás".

Prontuário 666 traz Zé do Caixão na fantástica arte de Samuel Casal.

Quando criança, causava-me certa repulsa ver em programas de tevê o ator e diretor José Mojica Marins. Minha aversão à figura não se dava por sua barba cerrada, indumentária preta ou mesmo por sua peculiar forma de falar. O que me causava repulsa eram, é claro, suas longas e tortuosas unhas de Zé do Caixão. Evidentemente, sendo criança, eu era bastante suscetível a imagens impressionantes, o que não diminui o mérito de José Mojica em ter criado um dos personagens mais longevos e carismáticos de nossa cultura de massa. Um verdadeiro ícone do terror nacional.

Passado o tempo, deixei de ser tão impressionável e passei a admirar imagens impressionantes, como as produzidas pelo ilustrador e quadrinista Samuel Casal. Creio que a primeira vez que vi uma página desenhada por ele deva ter sido na ótima antologia de quadrinhos Ragú. Imediatamente percebi que estava diante de um gênio do traço. Voltei a rever seu trabalho em novas edições da publicação e mais recentemente nos belos livrinhos Domínio Público. Qual não foi então minha estupefação ao encontrar Prontuário 666, álbum que traz o personagem Zé do Caixão no fantástico traço de Samuel Casal.

O macabro Zé do Caixão surgiu em 1964 no filme À meia-noite levarei sua alma, retornando em Esta noite encarnarei no teu cadáver de 1967. Em busca da “mulher superior” que lhe gerará o “filho perfeito”, o sádico personagem causou controvérsia e até perseguições. Ao longo das últimas quatro décadas, ele voltaria a aparecer em longas e curtas-metragens, programas de tevê e revistas em quadrinhos, entrando de vez para o imaginário nacional. Mas, na concepção de seu criador e intérprete, restava ainda uma terceira parte de sua história a ser contada num terceiro filme: Encarnação do Demônio, lançado este ano.

Publicado pela Conrad, Prontuário 666: Os anos de cárcere de Zé do Caixão revela o que aconteceu ao personagem no hiato desde 1968, período que teria passado num manicômio e numa casa de detenção. Com roteiro de Samuel Casal e Adriana Brunstein, consultora de José Mojica no último filme, o livro é provavelmente o melhor quadrinho brasileiro de 2008 e uma das melhores HQs que li este ano. Apesar das celas pouco povoadas para um presídio brasileiro, a intensidade narrativa e as cenas de violência reforçam a credibilidade e a temática de terror da história, gerando um clima perturbador e inquietante.

Mas o melhor fica por conta das imagens criadas pelo premiado Samuel Casal. Estruturados a partir do contraste entre preto & branco, marcados de respingos, tracejados e figuras distorcidas, por si sós, os desenhos já valem o livro. Com páginas construídas numa estética de arte gráfica, num belo estilo de luzes, sombras e ângulos expressionistas, Prontuário 666 lembra obras de Peter Kuper ou Marc Hempel. Ainda a título de exemplificação, o traço conciso e caricaturizado dessa HQ parece um encontro de Bill Sienkiewicz com Flavio Colin. Mas, comparações à parte, o trabalho de Samuel Casal tem alma própria!

Estranhamente belo, particularmente interessante, o visual de Prontuário 666 se transforma ao longo das páginas, projetando o roteiro em seus melhores momentos e resgatando-o em suas partes mais fracas. Homens e ratos, pombos, gatos e lagartos se misturam e equivalem em páginas nas quais realidade, sonho e delírio se confundem. O próprio Zé do Caixão transmuta ao longo da HQ, aparecendo como unhas, um detalhe nas sombras, uma silhueta ou um vulto, para então imperar como uma presença demoníaca ou surgir numa pose de Batman, vampiro ou como uma quase-caricatura de Nietzsche.

Chegando às livrarias ao preço de R$24,00 e à venda com desconto na loja da editora, Prontuário 666: Os anos de cárcere de Zé do Caixão é imperdível para os fãs de José Mojica e Samuel Casal. Complementa a edição da Conrad a seção “Retratos da Maldade”, na qual desenhistas como Mozart Couto e Angeli homenageiam Zé do Caixão. Uma obra para quem aprecia bons quadrinhos de terror ou belos trabalhos em arte gráfica, o livro editado em formato 23cm x 16cm merecia até uma publicação maior, para valorizar ainda mais sua fantástica arte. De qualquer maneira e sobretudo, vale muitíssimo a pena conferir!

60 anos de Tex.

Bronc Peeler, Cisco Kid, Zorro, Lucky Luke, Ken Parker... A lista dos caubóis que já cavalgaram pelas páginas dos quadrinhos seria interminável. Influenciados pelos filmes de faroeste dirigidos por John Ford & Cia., desenhistas de quadrinhos em todo o mundo deram vida a heróis de mira certeira e coragem inabalável. Sem dúvida, o mais famoso desses justiceiros é Tex, que completou 60 anos em 2008. Por incrível que pareça, o caubói de maior longevidade e fôlego na história dos quadrinhos não surgiu nos Estados Unidos, palco histórico dos faroestes. Lançado em setembro de 1948, Tex Willer foi criado na Itália pelo roteirista Giovanni Luigi Bonelli e pelo desenhista Aurelio Galleppini. Publicadas em revistas semanais em forma de tirinhas, as primeiras aventuras de Tex conquistaram rápido sucesso, dando início a um império editorial (de que fazem parte as séries Zagor, Nathan Never, Martin Mystère, Dylan Dog, Ken Parker, entre outras). Apesar do sucesso duradouro, Tex é o produto de uma época. A ambientação no Velho Oeste e o elenco de personagens são inspirados nos filmes e quadrinhos norte-americanos, que alcançaram todo o mundo após a Segunda Guerra Mundial. Na Itália, como em outros países, essa influência levou desenhistas locais a copiarem as temáticas e os estilos ianques. Embora tenham sofrido alterações ao longo de seis décadas, as HQs de Tex mantiveram a característica que as fizeram tão populares: sua simplicidade. Tex Willer é um homem injustamente acusado, que deu início a uma cruzada para limpar seu nome e acabou tornando-se uma lenda-viva. Como longas novelas, suas histórias se dividem em capítulos e se estendem por várias edições, incluindo um vasto elenco de coadjuvantes. Ao lado do fiel companheiro Kit Carson, do pele-vermelha Jack Tigre, do mago Morisco e de seu filho Kit Willer, Tex enfrenta as mais estranhas aventuras que incluem misticismo e ficção científica. O romance fica por conta da participação de sua esposa, a índia Lírio Branco. Já os vilões, com exceção do bruxo Mefisto, são os pistoleiros e brutamontes que tradicionalmente povoam o Velho Oeste. Por serem tão simples e repetirem com tanta fidelidade os lugares-comuns do faroeste, algumas edições de Tex chegam a ser simplórias (constituindo exemplos de quadrinhos feitos meramente para o consumo rápido). Porém, há algo de inegavelmente positivo em Tex. Primeiro, o sucesso de sua revista possibilitou o surgimento de várias outras. Se a maioria repete a fórmula da matriz, algumas deram origem a séries de altíssima qualidade, como a obra-prima Ken Parker de Berardi e Milazzo. Outro fator importantíssimo é que, ao longo de 60 anos, a editora da família Bonelli empregou desenhistas italianos em suas revistas, ao invés de simplesmente editar HQs estrangeiras. Para os fãs de Tex, no entanto, o que importa mesmo é continuar celebrando as histórias desse carismático caubói.